合唱是以多声部的人声演唱为特征的艺术形式， 只有对声乐作品进行历史背景、创作方法、风格进行正确地分析、理解和把握，不断去探索和研究各历史时期音乐的表现规律和方法，挖掘自身的表演潜能，全心提高演唱能力，才能将作品淋漓尽致地进行二度创作。

一、欧洲文艺复兴（1450—1600年）及巴洛克时期（1600-1750年）的作品。

       文艺复兴时期作品的特征：宗教性是其表现的主要内容，这是其赖以生存的根本；复调音乐占据着主导地位，各声部作用相同；音乐是非节拍的，不使用小节线，节奏完全依从于语言，以语言歌词的语调和音节作为音乐发展的基本元素；作品中各声部的模仿性很强，声部交替出现；音乐的速度依歌词情绪而定，总体上要求保持平稳，在这时都不允许渐弱渐慢等音乐处理，在演唱时要避免情感的过于激动。这个时期的作品，最基本的原则是：各声部横向发展，多线交织，纵向基本没有联系，而是追求各声部自身的完整性。每个声部的线条都要明确被听到。对位时每个声部进入的“点”都要相当清楚。此时的复调作品，对各声部之间的均衡提出了很高的要求。声音要平衡，强弱对比要准确，各声部在演唱中的音色、音量达到一个平衡的状态。

       了解了以上的诸多要点，我们在演唱时力求达到轻声高位，要求声音清晰、纯净、平直（即平声），不容许有任何颤音（vibrato）,以使声音达到高度和谐统一。用天然自然的嗓音（真直声）演唱，音色清透，声音平稳、松弛、柔和。复调作品的演唱，对演唱者的音准要求很高。并且不仅要对自己声部的旋律清楚明了，还要在演唱的同时顾及其他声部的进行，与其他声部密切配合。时刻注意横向旋律的流畅和纵向之间的和谐。我们在演唱法国作曲家诺斯坎•德•普雷(Josquin des Prez，1450—1521年)的《Ave Maria》，意大利作曲家帕莱斯特里那（Giovanni Pierluigi da Palestrina ，1525—1594年）的《She Lit Up My Heart》的时候，综合运用以上所述的要点演唱，达到了很好的效果。

       与文艺复兴时期井然有序的音乐比较起来，巴洛克时期的音乐有极大的动性。丰足的和声及有活力的音符在强烈的对比支持下，更具其结构性（巴洛克式建筑——凡尔赛宫就是以它的华丽及对称举世闻名）。其易懂的协奏风格、调性的明显、和声的功能性，尤其对称、对比的结构美使得这个时期的音乐作品具有极大的可听性，对现代人的音乐欣赏提供了极好的选择。

       巴洛克音乐的特点是作品规范，情感变化平缓却严格。作曲家们在音乐作品中加入大量装饰性的音符，节奏强烈，短促而律动，旋律精致，追求表情和动力；强调情感的表现，复调音乐仍占主导地位，大小调取代了教会调式，和弦的功能作用和调高的转接关系都成为音乐表现的主要因素。同时主调音乐也在蓬勃发展中，复调的和声性愈来愈明显。小节线划分强弱拍率的作用也已确立。

       处理这类作品时就要找出乐句的高点，分层次地安排所有强拍的力度对比，使各声部形成交错关系，此起彼伏，相互牵制，在严谨的节奏和稳定的速度进行中，充分利用休止、弱起、切分、延留音的作用，赋予推动力；渐强和渐弱没有太大的幅度；是一层层地推进或者递减，往往与段落和调高转换一致。此时的音乐一般是中速的，应避免极快和极慢的处理，乐谱上标记的速度术语主要说明作品的性质，如快板是指朴实、愉快、活泼；慢板是指宽广、虔诚。我们在演唱亨德尔（G •F •Handel，1685—1758）的 《For Unto Us A Child Is Born》时，就从细节着手，运用早期抒情美声的发声方法，全曲始终保持稳定的高位置，用弦乐的感觉进行演唱。曲中有大段的花腔段落，这就要求演唱者用清晰的音准，颗粒状地用气、轮换抢气地方法来完成。情绪上既保持有欢欣的状态，但又是内在而不外露的。而且这个时期的作品切忌追求音量，不在于表现力度，重要的是轻巧、精确。

二、古典时期（1750—1827年）的作品。

       法国资产阶级革命影响到整个欧洲，艺术的面貌也随之更新，音乐从教堂步入宫廷，并逐渐走向社会，走向民众。音乐创作不再以复调手法为主，采用主调音乐形式，加强了旋律和声的对应。确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用以前延绵不断的、扩充的音形，呈现出优美、简单、均衡的特征。追求客观的美，拓展了音乐的表现范围和表现力。在继承文艺复兴和巴洛克时期的音乐传统的同时，又大大推进了西方音乐的发展，成为西方音乐卓绝的传统的集中代表。 

       古典时期的合唱作品谨慎地使用渐快和渐慢，速度标记是名副其实的。渐强和渐弱的使用较多，但多数在一个音量等级之间。重复的乐段或乐句，如果初现时较弱，重复时必然较强，这是一条不成文的规律。不协和和弦予以解决的进行，明确的终止式，大、小调式的转换和远近关系调的转移都充分利用来表达内容，和声的功能作用成为主要的推动力。但是，古典时期音乐的感情仍然比较内省，表演时切忌过分夸张，这些作品结构清晰，段落分明，表现上含蓄，主要运用对比性手法表现矛盾冲突或者戏剧性题材，无论内容和情绪都是明确清楚的。

       莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart 175－1791）安魂曲《Requiem in D minor，K626》中的《Lacrymosa》, 是整部安魂曲中最具悲剧性的段落之一，表现永恒安息到来之前的悲痛之情。作品的灵魂就是和声，乐曲不时在和谐和不和谐的和声中向前行进。在演唱时每个声部的音准是个重点，跟随着前奏的律动，四个声部小心翼翼地进入，唱出呜咽、啜泣、抽噫的意境，就成功地完成了这首歌曲的二度创作。

三、浪漫主义时期（1827—19世纪末）的作品。

       这个时期艺术风格的特点，十分注重个人感情的抒发，艺术家的主观想象因素明显强于古典主义艺术，对自然界新奇感觉的猎取以及对理想、生活的幻想因素都很突出。音乐作品承袭了古典派作曲家的传统，并有了新的探索。强调音乐与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；强调个人主观感觉的表现，作品富于幻想性，作曲家将一切个人的感情、趣味和才能完全不受限制地表现出来，并不断从民族民间音乐文学中吸取营养。在音乐形式上，古典主义音乐是线条式的而且是鲜明的，浪漫主义的音乐则是富于色彩和感情，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有了更大的自由性。

       清唱剧是一种用流行的曲调和通俗化的歌词写的生活性的宗教歌曲。这些歌曲已不是在教堂演唱，而是在人们聚集一起作祈祷时的演唱。这种赞歌插入了对话形式，产生了对话式的神灵赞。这种神灵赞以简单的大众化格调，以对唱曲的形式唱出。

       清唱剧《伊利亚》（Elijah）是德国作曲家门德尔松（Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy，1809－1847）的代表作，其中的混声合唱《天使守护以色列》(He,Watching Over Israel)就是该剧中的一首歌曲。歌曲从头至尾都用复调写成，每个声部都是完整优美的旋律。演唱时时刻注意飘逸、含蓄、内在的特点，各声部渐强的进入，做到完美的衔接，就抓住了该曲的核心了。

       柴可夫斯基（Peter Llyich Tchaikovsky）的《金色的云朵过夜了》（Ночевала Туцка Золотая……），是作曲家为俄国诗人莱蒙托夫(Lermontov)的一首诗所作。诗中用云和石头寓言人的多情与同情。因为云朵是这首歌的主角，因此第一主题要唱得连贯（legato）,其中出现的休止符号，都不是为停顿而停顿，都要把它看成是有实质内容的。从25小节开始，是一个很长的向前行进的坡，到32小节唱出了感叹，达到了歌曲的高潮。36、37小节，运用一收一放断开着的声音演唱，38、39节，又连贯地“沉思着”，用鲜明的对比演唱方法唱出对石头的同情感。接着连贯地唱出为云朵在荒野低声哭泣的叹息而结尾。

       英国作曲家埃尔加(Edward Elgar 1857-1934)的《雪花》（The Snow），色彩丰富，层次清晰，织体明朗。这首合唱曲运用了三部曲式，有呈示部，发展部及再现部和尾声。虽然歌名是“雪”，但是音乐本身给人以温暖的感觉。四个声部的和声空灵纯净，给听众以“雪花轻轻飘落”的形象。此曲的主题是希望人的灵魂能够似雪纯洁、永恒不渝，歌词也多次重复这一意境。唱到“心地坚强不渝”一句让人心潮澎湃，把心灵似雪、永恒不渝的主题表达得酣畅淋漓。接下来音乐的形象开始变化，渐渐地由柔美变得坚定，经历这个转变之后，这时乐曲开始加速，乐谱中的若干强音，使情绪不断高涨，到“心地坚强不渝”是一个顶峰，这一段音乐节奏鲜明、坚强有力，埃尔加运用了对比的手法，使这一段音乐显得格外突出。之后，音乐迅速平静下来，情绪转回到全曲开头时的轻柔纯净，完成了发展部与再现部的连接。在乐曲的再现部中，作曲家表达了对白雪融化逝去的不舍，更多地依旧在表达“心地永恒不渝”这一主题。当歌曲进入了尾声时，速度渐慢，伴奏也渐渐变得舒缓平静，仿佛在一片白雪皑皑的世界中极目眺望，别无他物，只有轻轻落下的雪花。永恒不渝（Not as my soul），这是作曲家的希望，这声音渐渐地远去，与白雪融为一体，最后慢慢消失在空中，只有漫天的雪花还在轻盈地飘舞……